LAURA NICOLÁS GAMBÍN

--LECTURAS DE BIBLIOGRAFÍA--

25-11-13 al 02-12-13

Tema 1: “El docente y la Educación Artística”

“La expresión plástica como producto creativo del lenguaje visual. Reflexiones acerca de su integración curricular”

“La educación artística o la pervivencia de una paradoja”

Juan Delgado Tapias.

En el artículo propuesto, los autores dirigen el mismo a la reflexión de la integración de la Educación Artística en el currículo escolar. Han realizado una investigación de la materia a lo largo de la historia española desde la década de los 70 hasta ahora y nos hacen reflexionar sobre la idea de que a pesar de querer mejorar o de las tantas reformas educativas que se han realizado, la enseñanza de Educación Artística se ha basado en una mera reproducción e imitación de copias con procesos instrumentales cerrados. El problema surge desde la concepción de la materia, de la cual se cree que solo es una enseñanza de técnicas y destrezas además de ser poco útil en la sociedad, siendo de carácter exclusivo para los artistas. A finales de los años 80, comienzan a manifestarse algunos de los profesionales siguiendo un ritmo frenético de cambios en la materia basados en los estudios de la sintaxis del lenguaje visual pero una vez más al ser un modelo educativo de unos pocos pasará a ser de la misma forma que los anteriores, el alumno seguirá siendo dependiente y las enseñanzas serán reproducciones de copias.

Estos autores consideran que una de las causas de este fenómeno es la poca preparación de los docentes en esta especialidad, pues caen en la monotonía de seguir instrucciones anticuadas, en vez de enseñar a descodificar el lenguaje visual y trabajar a partir de este.

En mi opinión, los docentes de la materia, los mismos que se manifiestan por el cambio, son los mismos que pueden realizar este cambio en el interior de sus aulas, dejando que sus alumnos aprendan de forma significativa y sin vacío. El mismo nombre de la materia lo dice; Educación Plástica y Visual, se ha de partir enseñando el lenguaje propio de la asignatura que es el visual, aprender a ver, a descodificarlo, asimilarlo e interiorizarlo, reflexionar sobre él de forma individual y colectiva y trabajar con ese conocimiento, es en este momento cuando se enseñan las diferentes técnicas plásticas, no para reproducir una obra ya realizada sino para representar la percepción propia de lo que ven y lo que sienten, en este sentido tanto los alumnos como los docentes experimentarán la libertad artística para crear y no lo hacen en vacío sino con un sentido ya sea propio o no. Este procedimiento es práctico para todas las materias. 

28 de Noviembre 2013

“Educación Artística: propuestas para la formación del profesorado en los nuevos estudios de Grado”.

Carmen Alcaide, Universidad de Alcalá.

Este artículo trata la posible inmersión de la especialidad de Educación Artística en los grados de Educación Infantil y Primaria así como en las titulaciones de Máster, cuando utilizamos la palabra “posibilidad” referente a nuevas líneas de educación, ese momento puede que no llegue o forme parte de un futuro muy lejano. No obstante, en la normativa vigente se indica claramente la iniciación, el conocimiento,  la experimentación y el sentido artístico (entre otras) tanto en educación infantil como en primaria, para cumplir estos objetivos es necesario que los docentes adquieran la formación adecuada para llevar a cabo lo que se exige por parte de la ley, pues además de la poca dedicación a la materia de Educación Artística las formas o los métodos que se utilizan son erróneos.  El limitado criterio estético de los centros de enseñanza hace que los alumnos se encierren en copiar y reproducir de forma mecánica sin dejar un espacio para pensar en que es lo que están haciendo.

En el artículo se ha expuesto una parte de la LOE donde se tratan los cambios del momento, es decir, el problema nace de la formación insuficiente por parte del profesorado por este motivo se ven obligados a realizar cambios en el sistema educativo, en este sentido surge la necesidad de crear nuevos ámbitos de estudio en torno a la Educación Artística dando cabida a aquellas personas que quieran realizar la especialidad y tenga la oportunidad y no solamente a los que tengan de forma innata el sentido artístico. 

La autora propone cinco títulos universitarios para la especialización de la Educación Artística (Grados en Educación Artística: Plástica y Música, en Educación Infantil y Primaria con mención en Educación Artística y Posgrados en Artes Visuales y Música).  Estas propuestas pretenden que el alumno, como futuro docente de la enseñanza de Educación Artística, adquiera unos pilares básicos del arte que favorezcan el desarrollo pedagógico de los mismos. La sociedad actual exige profesionales de alto nivel, pues la necesidad de acceder de forma bruta a la información requiere de estas personas para obtener un conocimiento.

En mi opinión sería un acierto que se pudiera realizar este tipo de especialidades, yo sería la primera en acceder a ellas. La oferta de especialidades no casa con la demanda de las mismas, desde los puestos más altos se quejan de que los docentes no cumplen por formación insuficiente, la culpa no es de los docentes sino de la oferta que nos dan para nuestra formación, así ¿cómo quieren que seamos los mejores de nuestro campo y más competentes entre otros? Aún así las menciones tampoco son la mejor idea, cinco asignaturas en cuatro meses no es una especialización es un acercamiento a una idea,  de la misma forma que están los Grados en Educación Infantil y Primaria deberían de ofertar, como propone la autora del artículo,  Grados en Educación Artística: Plástica y Música además de los Máster, con este título obtendrías las nociones necesarias de enseñar en plástica y música, esto es una especialización donde todo lo que se estudiará a lo largo de cuatro años ayudará a formar a docentes especializados en este ámbito, que es lo que realmente se está exigiendo por parte de la sociedad. 

MARTÍNEZ, E. y DELGADO, J. (1983) “La educación artística o la pervivencia de una paradoja”, Suplemento de educación, El País.

                                                                                                                                              

Aplicación en el Aula de Primaria

En un aula de primaria, tratando la Educación Artística nunca hay que dejar que los alumnos pierdan la curiosidad por pensar, sentir y hacer. Para llevar a cabo esta premisa debemos de partir de algo que les motive, de un tema de interés, así comenzaremos los trabajos por proyectos donde el modelo de enseñanza-aprendizaje será constructivo. 

          

             Por ejemplo:

Durante las primeras sesiones dejar que los alumnos manipulen los materiales y herramientas de trabajo; pinturas, ceras, acuarelas, arcilla, rotuladores, papeles, pinceles, etc., En las próximas sesiones se les mostrará obras de diferentes autores explicándolas brevemente y a continuación, según las preferencias de cada alumno partiendo de lo que se ha trabajado en clase, deberán por cuenta propia (siendo el profesor un guía) ampliar el conocimiento sobre el autor que hayan escogido. Y durante las últimas sesiones elaboraran con las diferentes técnicas que hayan investigado una obra personal. 

Al final de todas estas sesiones expondrán a los demás compañeros que hicieron en la primera sesión cuando se les dejo libertad de acción sobre los materiales, el trabajo de investigación y la obra personal, de esta forma conocerán diferentes autores y sus obras, verán su propio proceso tanto el colectivo como el individual y para finalizar los proyectos se abrirá "El debate de los curiosos" donde entre el docente y los alumnos concluirán los resultados.

ALCAIDE, M. (2007) “Educación artística: propuestas para la formación del profesorado en los nuevos estudios de grado”, Nuevas propuestas de acción en educación artística.

--LECTURAS DE BIBLIOGRAFÍA--

 02-12-13 al 09-12-13

Tema 2: "La apreciación plástica de estilos artísticos”

 La Necesidad de juicios críticos

“El arte y los artistas” Introducción a La Historia del Arte.

Gombrich, E.

Este autor nos muestra la evolución de la percepción del arte y de los artistas. Todo comienza desde los hombres que utilizaban tierra coloreada para pintar en sus cuevas las gruesas formas de animales cazados hasta la moderna concepción del arte grafitero en las calles. A todas estas actividades las podemos denominar arte, la cuestión es que no todo el mundo está de acuerdo, para algunos a los que un cuadro les inspira belleza para otros puede ser una aberración al arte, no todos tenemos el mismo significado de belleza, los mismos gustos o preferencias.

Gombrich también hace referencia a la expresión facial o corporal de un personaje de un cuadro, cuyos rasgos le hacen parecer realistas. Cuando la gente tiene su primer contacto con el arte casi siempre entienden que si un cuadro no está realizado con tal precisión y detallismo como para que aparente ser realista, tachan al autor como pésimo o evalúan el resultado como incorrecto.  Pero sin ir más lejos, el autor nos muestra dos obras de diferentes autores, un cuadro de Durero (1502) con la imagen de un conejo pintado con acuarela y con el más mínimo detalle trazado y por otro lado nos muestra el cuadro de Rembrandt (1637), Elefante, el cual se realizó con pocas trazas pero con las necesarias para trasmitir la dureza y las arrugas de la piel del elefante, los dos representan a un animal con todas las características que poseen, la diferencia es el modo de hacerlo o representarlo pero la perfección es algo de lo que no carece ninguno de los dos.

Adelantándonos un poco en la historia llegamos al arte moderno, el cual fue una revolución muy criticada pues se creía que el artista “estaba obligado a saber más”. Los autores del arte moderno pintaban su manera de ver las cosas, por ejemplo Gallo de Picasso (1938), está claro que la imagen es un gallo pero no como los que se veían en los corrales sino más bien una caricatura del animal. Esto era lo que la gente criticaba, pero los artistas de esta época tenían conocimientos sobrados como para hacer un dibujo con corrección.

El autor de este documento apunta  una gran verdad, “lo que nosotros llamamos obras de arte no constituyen el resultado de alguna misteriosa actividad, si no que son objetos realizados por y para seres humanos. Cada uno de sus rasgos es el resultado de una decisión del artista”.

En conclusión, las palabras de este autor me resultan conocidas y una iluminación para aquellos que critican sin saber, he oído frases como: “eso lo hago hasta yo”, es posible, pero el bagaje cultural que lleva a unos artistas, con conocimientos suficientes de pintar “con corrección”, a representar una emoción, una palabra, un paisaje o una figura, con dos manchas rojas y una línea azul sobre un lienzo es difícil que cualquiera pueda representarlo. Una vez tuve la oportunidad de hablar con Alberto Sevilla y Miguel Fructuoso, dos artistas murcianos que para mí son de mucha categoría, durante la conversación salió este tema y ambos coincidieron con el autor diciendo que ellos podían realizar un cuadro a todo lujo de detalles, pero que para ellos esta forma de pintar no era su forma de expresión. Por tanto pensemos antes de criticar, independientemente de si nos gusta o no un cuadro, el punto de vista del autor, que idea o que le surgió a este para crear una obra. 

GOMBRICH, E. “El arte y los artistas”, Introducción a La Historia del Arte, pp. 15-37.

" La belleza como proporción y armonía"

Historia de la Belleza. Lumen, Cap. III.

ECO, U. (2004)

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TÉCNICA PAPEL RASGADO.

FIGURAS SIMPLES

LÁMINA 6

Ejercicio: Figuras simples a partir de fragmentos de papel rasgado: rectángulo, círculo, triángulos, formas indefinidas. Utilizando un rotulador.

FIGURAS MÁS COMPLEJAS

LÁMINA 7 Y 8

Ejercicio: Figuras más complejas partiendo de la composición de varios fragmentos de papel rasgado. Figuras exentas (sin fondo).

EXPRESIONES

LÁMINA 9.

Ejercicio: A partir de fragmentos de papel rasgado y un rotulador, crear diferentes expresiones para un rostro.

VERSIONES DE UN CUADRO

LÁMINA 12

Ejercicio: Partiendo de un cuadro dado realizar una versión del mismo componiendo con fragmentos de papel rasgado. Figura y Fondo.

He versionado un cuadro de Alberto Sevilla de la colección de Escenas.

Alberto Sevilla, 2013. 

Colección Escenas

--LECTURAS DE BIBLIOGRAFÍA--

Tema 3: “Percepción, expresión y comunicación”

“Modos de ver”

John Berger.

Berger nos muestra en este artículo una evolución de las imágenes y como el ser humano, utilizando las tecnologías, las transforma y las muta para que parezcan otra totalmente diferente. Además de los textos literarios, la humanidad se ha hecho una idea de nuestra historia mediante las imágenes que se han salvado de nuestro pasado y gracias a ellas, a los cuadros pintados en la antigüedad, podemos hoy día, imaginarnos o visualizar como eran las cosas en tiempo atrás desde el interior de las casas, las personas, los paisajes, las vestimentas, la realeza e incluso como se vivía el día a día.  El autor se centra en el modo de ver dichos cuadros, siempre nos han enseñado los cuadros con una explicación delante de lo que significan y del valor artístico que tienen pero todo cambia cuando sin conocer la historia miramos el cuadro. El ser adulto expresa con palabras lo que ve, lo que le rodea, sin embargo no existe una relación exacta de lo sabemos a lo que vemos pues los conocimientos que tengamos sobre algo siempre van a afectar al modo de ver las cosas. “El invento de la cámara cambió el modo de ver de los hombres y esto se reflejó inmediatamente en la pintura”. La mayoría de los artistas dejaron de pintar la realidad tal y como el ojo la percibe comenzando una etapa surrealista que se extendió por el mundo, de esta forma encontramos el movimiento cubista, estos artistas pintaban la totalidad de las vistas posibles tomando diferentes perspectivas de alrededor del objeto. Con la invención de la cámara y la reproducción en las televisiones de muchas casas, los cuadros se veían a través de ellas, y suscitaban conversaciones y criticas de gente entendida en el arte y de gente que no sabía del tema. De la misma forma que podían observar las obras a través de su televisor también podían verlas en las calles, en publicidad o reproducciones casi exactas de las mismas obras, por tanto cuando una obra se exhibe, por ejemplo, en una película el significado de la obra cambia por completo dándole significado a las conclusiones del  realizador de la película. Lo que ha pasado con los avances modernos de la reproducción ha sido desquitar la autoridad que tenían esas obras de arte y muy pocas personas son conscientes del valor del arte de las mismas, pues se ha convertido en imágenes libres, sin valor.

En mi opinión, aunque el texto me ha parecido muy complejo por la estructura y el contenido, creo que he sabido extraer la idea principal que como dice el título es el modo de ver las imágenes, las valoraciones que le achacamos a cada una de ellas conociendo más o menos la historia que le da el valor que tienen. Es cierto que se ha perdido el valor o la importancia que tienen estas grandes obras artísticas por la continua masificación de las diferentes reproducciones de las mismas, se le han dado valores diferentes quitándoles la autoridad de las mismas, por tanto el modo de verlas cambia.

BERGER, J. (2010) Modos de ver. Gustavo Gil, Barcelona. CAPÍTULO 1.

 Tema 4: "La personalidad creativa”

“Arte, educación y creatividad”

Juan Carlos Arañó Gisbert.

Debido a la diferencia de clases sociales también existe una diferencia en la identidad cultural, por tanto el arte es entendido con diferentes connotaciones dependiendo del bagaje cultural de cada clase social, de cada individuo. El autor nos muestra que lo importante no es de donde venga dicho arte ni como se ha formado o construido si no la producción misma, la obra, pues todas estas producciones se han realizado en momentos históricos y condiciones sociales diferentes. Arañó entiende la cultura de estas clases sociales y épocas como un sistema dejando el arte como un subsistema de la misma, siendo el arte una forma de expresión, más que un lenguaje o comunicación.

Arañó describe el arte desde diferentes puntos de vista: semánticamente, antropológicamente, estéticamente, económicamente, políticamente, subjetivamente, materialmente, sociológicamente,  psicológicamente y popularmente. En este sentido, Arañó (1994) concreta que de igual modo que el arte se manifiesta en términos de oferta y consumo, la Educación artística no dejará de ser un adorno en nuestro sistema escolar. En las diferentes enseñanzas del arte siempre el docente se ha referido a las obras de artistas para poder explicarlo, pues deberíamos de alejarnos de esta idea.

La definición de arte siempre ha quedado de una forma u otra incompleta, Araño (1994) nos define arte en el sentido educativo como “actividad humana consiente en la que el individuo se manifiesta plenamente capaz de intervenir y/u observar su contexto, como resultado de esta intervención reproduce cosas y/o ideas, manipula formas y/o ideas de modo creador, y/o expresa una experiencia. En todas estas manifestaciones y como consecuencia de todo ello puede ser capaz de obtener placer, emocionarse y/o sufrir conflictos”.

Para que la educación artística sea una educación integral y significativa debería de partir la planificación de la misma desde el interés y el conocimiento previo del alumno de esta forma se podría organizar la estructura de la materia.

En el apartado verdad, realidad y naturaleza, el autor señala una definición de arte de Sócrates, el que señala que el arte es la imitación de la realidad, es decir, el artista debería ceñirse hasta el más mínimo detalle de lo que ve a la hora de reproducirlo pero es cierto que en esta situación la creatividad deja de tener libertad de acción, por este motivo Arañó señala que el verdadero artista es el que supera en sus producciones la realidad misma, es decir, el que expresa lo que ve en sus obras y no el que reproduce una realidad exacta al detalle.

Más adelante trata la creatividad desde el punto de vista de los griegos y los romanos para los que el artista era aquel que conseguía producir algo bello siguiendo las técnicas y leyes de producción, los hombres del renacimiento son más abiertos en cuanto a la definición o al ser creativo.

En mi opinión este artículo es fantástico, pues muestra una clara visión de los pasos que se han dado hasta el momento actual de las diferentes concepciones de arte y creatividad, así como las formas de implantar la educación artística de una forma integral en el sistema escolar y no como un adorno del mismo. Creo que como dejo claro Ausubel, el aprendizaje debe ser significativo y constructivo, partir del propio conocimiento del alumno y de sus intereses para que la motivación prime para la creación de nuevos conocimientos. También es importante el saber la evolución de la historia artística para tener una base de conocimiento de cómo se ha ido creciendo la concepción de la misma, tanto la historia como las técnicas que se utilizaron. Creo que conocer nuestro pasado artístico siempre va a ser un punto de referencia clave, pero tampoco abusando de los mismos. Por supuesto lo que si es esencial es enseñar a los alumnos a tener una mente abierta para la creatividad pues es la clave de un buen resultado.

ARAÑÓ GISBERT, J. C. (1994) "Arte, educación y creatividad, Pixel-Bit: Revista de medios y educación, no. 2.

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TÉCNICA DE AMPLIACIÓN

CON CUADRÍCULA

LÁMINA 13

Ejercicio: Ampliación de un dibujo simple a partir de una cuadrícula, elección propia a partir de los ejemplos dados.

       

--LECTURAS DE BIBLIOGRAFÍA--

Tema 5: "Lenguaje plástico y visual: conceptos básicos”

“El lenguaje visual”

Acaso, M.

El lenguaje visual se conforma en dos herramientas con las que  se construye el significado y significante, el orden, la jerarquización, etc. de los elementos que queremos representar. Estas herramientas son dos:

·        Las herramientas de configuración se basan en el tamaño, la forma, el color y la textura.

La selección del tamaño puede realizarse en según tres criterios, el impacto psicológico que es la relación física entre el espectador y la representación visual, dependiendo de si la representación es grande o pequeña pueden sugerir al espectador connotaciones de predominio sobre la visión o al contrario. El segundo criterio es el efecto de notoriedad esto se da cuando el producto es de grandes dimensiones y se transforma en un espectáculo y por último el criterio de comodidad, este se utiliza cuando el tamaño se le exige a creador del diseño. Estos criterios afectan al significado de la representación.

La forma tiene dos tipos de representación, puede ser orgánica o natural que tienden a ser formas irregulares y las artificiales son todas las creadas por el hombre. La forma se puede trabajar desde tres niveles diferentes, en primer lugar la forma del producto visual como objeto, la forma de la representación bidimensional se denomina formato, es la forma y orientación del soporte. El creador se basa en tres criterios adaptación al soporte, sentido de la lectura y contenido simbólico, siempre se busca la adaptación para su mejor visualización y a veces dependen del formato que se le exija al creador. La forma del contenido del producto visual, en este nivel el creador debe de adaptar el tamaño del objeto según los límites del producto visual y el último nivel es la forma del espacio que alberga el producto visual, podríamos ver este nivel reflejado en el diseño de un espacio para un comercio de un producto.

La selección del color es una herramienta muy importante, ya que el color tiene un gran poder transmisión de significados, por ejemplo, los fotógrafos trabajan con los colores-luz (rojo, verde y azul) y por otro lado, los pintores trabajan con los colores-pigmentos (cian, amarillo y magenta). Para seleccionar un color el creador se basa en cinco criterios de selección los que son: contenido, simbólico, calendario comercial, contraste visual, identificación de la marca e identificación con el público-objetivo. Los colores pueden sugerir muchas connotaciones diferentes entre el público al que va dirigido, hay que tener en cuenta la figura-fondo, se deben utilizar una buena combinación de colores para que el mensaje sea claro. La iluminación es una herramienta importante pues también de ella dependen las diferentes connotaciones de la lectura visual del producto.

La textura es el material del que se constituye un producto o reproducción visual, existen dos tipos de textura: el material del soporte y los materiales que se aplican sobre el soporte. Partiendo de esto también podemos utilizar sistemas de representación de la misma siendo una textura real, simulada o visual o ficticia.

• Las herramientas de organización se basan en la composición y la retórica visual. La composición es la ordenación de los elementos que componen la imagen pudiendo crear un producto visual reposado o dinámico. La retorica visual se utiliza cuando se quiere transmitir un sentido diferente al que propiamente se le corresponde, de ahí que se utilice el término “sentido figurado”. El autor clasifica las tantas figuras retoricas en cuatro grupos:

SUSTITUCION	COMPARACIÓN	ADJUNCION	SUPRESION
Metáfora Alegoría Metonimia Calambur Prosopopeya	Oposición Paralelismo Gradación	Repetición Epanadiplosis Hipérbole Préstamo	Elipsis

Este capítulo nos permite entender el significado de una producción visual teniendo en cuenta todos los aspectos de selección y los criterios que se han tenido en cuenta para elaborar el producto final que es lo que nosotros como espectadores vemos y/u observamos. También resulta ser un recurso esencial para nosotros a la hora de crear nuestras propias composiciones visuales, en este sentido, tanto nosotros como nuestros alumnos. 

ACASO, M. (2006) El lenguaje visual, Barcelona: Paidós, págs. 49-103

Tema 6: "Análisis del desarrollo del dibujo espontáneo en los niños/as”

“La conquista de un concepto de la forma”

Lowenfeld, V. y Lambert, B.

Cuando un niño comienza a dibujar se ciñe a elaborar un esquema del objeto o de la persona, es posible que es este esquema venga determinado por las significaciones individuales de cada niño, esto hace que pueda variar un esquema de otro.  Trinidad, Ives y Rovet (1982) descubrieron que los niños dibujan los objetos estáticos en vista frontal (hombre, casa, búho) y los objetos en movimiento en vista lateral (perro, caballo, coche). Para representar el cuerpo humano los niños suelen dibujar formas geométricas y en la edad de siete años dibujan los ojos, nariz, manos, pies, etc. con símbolos independientes al de la figura humana.

En cuanto al esquema espacial la mayoría de los niños dibujan una línea básica universal en la parte inferior del dibujo sobre la que dibujan a personas, animales y objetos. Esta línea tiene un sentido terrenal, es decir, intentan representar el suelo o un camino que es por donde van las personas, animales o los objetos, a veces esta línea puede dibujarse curva lo cual simboliza el nivel del suelo. También se pueden observar líneas en la parte superior del dibujo lo que sería el cielo, o una montaña. Suele verse en los dibujos la combinación de plano  y alzado, esto no es una representación naturalista solo una visión subjetiva del niño.  Las representaciones en rayos X de las que nos habla el autor se refieren a cuando un niño dibuja tanto la parte interior como la exterior de un edificio, le da importancia a ambas partes. Los niños también son capaces de dibujar en una misma lámina diferentes imágenes que van ocurriendo de forma secuencial, esta representación del tiempo y el espacio es como narrar la situación de la representación.

Para el niño también es importante el color y el diseño, de igual modo que dibuja un símbolo para representar un objeto también le da un color al objeto que lo identifique. Dar color al dibujo es un paso importante pues el autor dice que “el esquema de color es una indicación de la creciente capacidad de pensamiento abstracto y pone de relieve que el niño puede generalizar en otras situaciones a partir de estas experiencias. Éste un paso importante en el proceso evolutivo”.

Durante la fase esquemática los niños comienzan a dibujarse entre los esquemas de objetos o personas que solían hacer, pues ya tienen un conocimiento de ellos mismos en relación con el mundo que les rodea y esto es un paso para saltar el egocentrismo infantil. El conocimiento activo de un niño desvela su concepto del mundo y del interés que tiene por él, estas nuevas percepciones, intereses, emociones y demás se reflejan en el dibujo del niño.

Todo es relevante en el dibujo de un niño pues todas las emociones, controversias, intereses, etc. quedan reflejadas en el dibujo tanto en la representación del esquema como en la lectura del color, el trazo y la intensidad. El autor dice “el arte no sólo facilita la liberación de emociones sino que ofrece además al niño la oportunidad de usar estas emociones de forma constructiva”, hay que motivar a los alumnos con tantos estímulos como tengamos a nuestra disposición tanto de forma individual, en pequeños grupos o el conjunto clase. 

LOWENFELD, V. y LAMBERT, B. (2008) Desarrollo de la capacidad intelectual y creativa. Madrid, Síntesis. Capítulo 8: La conquista de un concepto de la forma, pp. 289-338. 

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CARACTERIZACIÓN

LÁMINA 18

Ejercicio: Realización de unas imágenes basándose en seis adjetivos (objeto animado - objeto inanimado) idem para ambas, según ejemplos dados. Material: rotulador.

--LECTURAS DE BIBLIOGRAFÍA--

Tema 7: Aportaciones de la educación artística al desarrollo humano y al curriculum escolar.

"Educación artística y desarrollo humano"
Howard Gardner

Los propios niños pasan a través de una variedad de estadios de comprensión cualitativamente diferentes (Gardner, 1985), estas conclusiones han sido investigadas con anterioridad por varios autores como Darwin (1877), Freud (1905), Piaget (1970). En este momento los investigadores reconocen que dentro de una misma cultura también marca la diferencia o el desarrollo de un niño la educación que reciba.

Según Gardner (X), las investigaciones tratan la resolución de problemas, deficiencias, comprensión de conceptos, y la realización de tareas, fáciles de describir en función de respuestas erróneas o correctas. Esta idea o concepto debería ser más amplio considerando las capacidades y talentos de los seres humanos en diferentes culturas. Las personas que deseen participar en la percepción artística deberían de aprender a descodificar la simbología de su cultura no solo en términos científicos ni lingüísticos sino también artísticos.

Por norma general siempre se ha entendido que los niños no llegan a la abstracción hasta la edad de siete a diez años, sin embargo este autor trata en el artículo una investigación sobre la sensibilidad al estilo de los niños en su etapa infantil, es decir, muestran sensibilidad en relación a aspectos artísticos y pueden aprender el estilo, aspectos de la impresión, composición, metáfora, textura y equilibrio.  

De las tres líneas de investigación que se hicieron, en la tercera se habla del grado de elaboración de los dibujos de los niños. A la edad de tres años el dibujo carece de realismo pero ellos intentan crear una imagen similar al concepto del objeto concreto, a la edad de cinco años comienzan a organizar los dibujos sobre el papel, utilizando la composición a modo esbozo y sobre la edad de siete años se vuelven más convencionales intentando dibujar cualquier cosa de forma más parecido a lo real. Esto quiere decir que los niños desde pequeños exploran y curiosean las diferentes formas que pueden elaborar en el dibujo, mezclando colores y representando objetos, y su vez la mayoría de veces quedan satisfechos con el resultado o se emocionan, por tanto si que tienen cierta sensibilidad en cuanto a la parte artística del ser humana.

En tanto y cuanto, Gardner trata la educación formal y la informal desde diferentes puntos de vista y varias investigaciones, y, para cerrar el tema habla de Arts Propel, este experimento educativo pretende crear situaciones para que los estudiantes puedan moverse por diferentes formas de conocimiento artístico. El acrónimo del nombre lo dice; producción, percepción y reflexión. Además, para este experimento han ideado dos “vehículos educativos”: proyectos de ámbito y carpetas, ambas creaciones dan la posibilidad al estudiante de aprender mejor y de un modo más integral.

En mi opinión, este artículo refleja la concepción, ya elaborada en otros artículos, de que no se le da importancia a la educación artística, además trata, ya no como enseñar arte, si no con todas las posibilidades que esta ofrece siendo en conjunto con las demás áreas de la educación formal una combinación que da como resultado una educación integral por y para el alumno.

GARDNER, H. (2011) Educación Artística y desarrollo humano, Paidós. Videos de modo individual

Tema 8: La imagen como recurso visual en la sociedad contemporánea.

"El hiperdesarrollo del lenguaje visual"
Acaso, M.

Acaso en este artículo expone una crítica hacia el hiper-desarrollo del lenguaje visual que según el autor comenzó a inicios de siglo XXI, para explicar lo que está ocurriendo con el lenguaje visual se basa en la obra de Gilles Lipovetsky titulada; La felicidad paradójica. Ensayo sobre la sociedad de hiperconsumo.

Lipovetsky trata sobre la sociedad consumista y lo trata como hiperconsumo, en este sentido Acaso lo traslada al mundo de la imagen y titula el macro desarrollo del lenguaje visual actual como hiperdesarrollo del lenguaje visual. Acaso trata en el artículo los factores que han fomentado este hiperdesarrollo y que características ha desencadenado. Tres factores han sido los causantes de esto:

·    Desarrollo de la técnica.

·    Espectacularización de los mensajes visuales.

·    Desarrollo del hiperconsumo.

Los primeros avances de la tecnificación que fomenta este hiperdesarrollo fueron el nacimiento de la fotografía, de la imprenta, la televisión, perfeccionamiento de sistemas de representación visual y de transmisión como Internet y a partir del 2000 el desarrollo continúo de nuevos productos web. Pero sin duda el avance postelevisión que más ha afectado a este suceso de hiperdesarrollo del lenguaje visual es el desarrollo del software de retoque de imágenes, pues ha dado lugar a crear mentiras visuales. El autor comenta en el capitulo un texto de José Pelayo, es una crítica ante la digitalización de la belleza y la creación de la perfección surrealista. 

Acaso también habla del efecto rebote que ha creado este hiperdesarrollo consiste en que no tenemos suficiente con vivir una experiencia sino que además nos resulta incompleta si no se exhibe la reproducción visual de la misma. Esto se da por el uso de cámaras digitales y espacios en la red o de modo externo donde se puede almacenar la información. Y para finalizar este capítulo Acaso hace referencia al término mundo-imagen como motivo del término consumo-mundo de Lipovetsky.

Acaso tiene razón cuando habla de una sociedad estresada donde todo se acelera. Este afirma estar viviendo en un mundo paralelo y casi completo de lenguaje visual que crea deseo por consumir, entre otras cosas. Por último hace alusión a la educación artística como principal medio para aprender el lenguaje visual y así fomentar la desconsolidación del mundo-imagen del que trata en este capítulo. Es cierto que vivimos en una sociedad consumista y que la publicidad o en este caso el lenguaje visual transforma el mensaje en una obsesión de deseo. La crítica leída me ha parecido muy interesante y desde un punto de vista de enfado con este hiperdesarrollo del lenguaje visual. Este sería otro de los tantos motivos de establecer una educación artística considerada como una materia que prepara al alumno para la sociedad y que es igual de importante que el resto de áreas de conocimiento del currículo oficial de primaria.  

ACASO, M. (2009) “Lobo no. 1: el híper desarrollo del lenguaje visual”, Las artes plásticas no son manualidades, pp. 25-35.

--LÁMINAS BLOG DE DIBUJO--

ARTISTAS POR DESCUBRIR

LÁMINA 24

Ejercicio: Realización de unas imágenes basándose en el libro: Artistas por descubrir de Quentin Blake y John Cassidy. Material: rotulador.

Lluvia y Paraguas:

Ejercicio: llevado a  cabo usando un rotulador y lápiz para añadir la lluvia, nubes y paraguas. Las nubes de lluvia son más oscuras que la lluvia, la regla general para el borroneado del lápiz es con dedo húmedo.

LÁMINA 25

Dibuja sin mirar.

-El primer dibujo de la taza se ha llevado a cabo sin mirar el objeto propuesto (solo mirando la mano que dibuja).

-El segundo dibujo se ha llevado a cabo mirando solo el objeto a dibujar sin mirar la mano que dibuja.

TÉCNICAS DE AMPLIACIÓN 

SIN CUADRÍCULA.

LÁMINA 26

Ejercicio: Ampliación de un dibujo simple sin usar cuadrícula, elección propia a partir de los ejemplos dados.

Pasos a seguir:

1. Boceto de formas simples.
2. Añadir más formas simples.
3. Definir la forma general.
4. Añadir los detalles.
5. Entinado de las líneas finas.
6. Entinado de líneas gruesas y manchas.
7. Color de base.
8. Añadir brillos y sombras.

LEÓN

--LECTURAS DE BIBLIOGRAFÍA--

Tema 9:Departamentos de didáctica en instituciones culturales-artísticas.

"Aprendiendo a ver"

Acercamiento al lenguaje artístico y el arte contemporáneo para alumnos de primaria.

Manuel V. Tamariz Sáenz

Tamariz trata en este texto una propuesta que consiste en analizar el leguaje plástico en diferentes niveles de lectura creando materiales didácticos y actividades dirigidos a alumnos de tercer ciclo de primaria. Este autor ha revisado unos cuadernos realizados por los servicios pedagógicos del Centro de Arte Reina Sofía (C.A.R.S), además del currículo oficial de primaria para que de esta forma los objetivos, contenidos y las actividades se ajusten al nivel educativo.

Los análisis del material didáctico del C.A.R.S, los ha basado en tres cuadernos didácticos que fueron creados para diferentes exposiciones de arte contemporáneo.

Pablo Picasso- Guernica

Este cuaderno abarca tres bloques en los que se trabajan actividades previas, del museo y posteriores. Durante las actividades previas el profesor introduce la exposición, las actividades del museo corresponden a ejercicios prácticos que el alumno va realizando durante la visita estos ayudan a la capacidad de percepción y comprensión visual y por último las actividades posteriores pueden realizarse dentro del aula.

Louise Bourgeois

Este también es un cuaderno didáctico pero según Tamariz es más bien una guía de la exposición y abandona la parte práctica que hace reflexionar al alumno sobre la obra de la arquitecta. Este cuaderno debería de apoyarse en una preparación previa para motivar a los alumnos y una parte de ejercicios para comprender mejor la exposición.

Tàpies

Este cuaderno según Tamariz es mucho más fácil y motivador que los anteriores tanto por el diseño gráfico de la composición del cuaderno como el contenido del mismo. En este cuaderno da muchas referencias a las técnicas utilizadas por Tàpies y esto puede llevarse al aula para elaborar ejercicios prácticos. Y al final del cuaderno se expone una lectura titulada “el juego de saber mirar”. 

La propuesta de este autor es fantástica, adecua los contenidos y contenidos que abarca el currículo de primaria en un cuaderno didáctico motivador que se puede trabajar fuera y dentro del aula y que está dedicado a visitas al museo, y lo más interesante es que se puede utilizar para diferentes exposiciones, por tanto el recurso que Tamariz propone es creativo y de fácil aplicación al aula, tanto en el tercer ciclo al que va dirigido como al resto de ciclos de primaria abarcando los objetivos y contenidos expresamente dirigidos a cada edad.

APLICACIÓN EN EL AULA.

Recuerdo haber ido a una exposición que se realizo en Murcia del pintor Pedro Cano, y también nos dieron un cuaderno didáctico, la composición era muy sencilla y apenas contenía cuatro páginas de tamaño cuartilla, la primera trataba la bibliografía del pintor luego ilustraba algunos de sus dibujos y en la última te explicaba técnicas del autor y una página blanco para que realizaras tu propia composición. Al terminar la visita nos llevaron al a la orilla del río Segura y nos hicieron dibujar la imagen a primera vista con las técnicas utilizadas por Pedro Cano. Fue una buena experiencia además de una forma motivadora de aprender.

TAMARIZ SÁENZ, M. (2002) “Aprendiendo a ver. Acercamiento al lenguaje artístico y al arte contemporáneo para alumnos de primaria.” Arte, individuo y sociedad, no. 1, págs. 335-346

Tema 10:

--LÁMINAS BLOG DE DIBUJO--

MEZCLAS DE COLOR

LÁMINA 30-32

Ejercicio: Realización con 10 colores diferentes: amarillo, naranja, rojo, magenta, cían, azul oscuro, verde claro, verde oscuro, violeta y marrón. Debe tenerse especial cuidado en conseguir un color que sea la mezcla de los colores que aparecen en la primera columna y primera fila.

MEZCLA DE COLOR. LÁPIZ.

MEZCLA DE COLOR. ACUARELA

CREATIVIDAD

LÁMINA 36-37

Ejercicio: Crear una composición de personajes, animales, etc. a partir de una simple huella de dedo y un rotulador (utilizando líneas simples).

"CIUDADANOS DEL MUNDO"

CÓMIC

"ECHO DE MENOS A MI FAMILIA"

Técnica manchado: antes de plasmar la huella sobre el papel he pintado el dedo utilizando diferentes colores, los he mezclado, manchado o punteado, de esta manera la impresión es de varias colores   

ARCILLA

LÁMINA 34-35

Ejercicio: modelado de arcilla, elaboración de "tres en raya"

TEMA: Los transportes. 

 

El tablero está pintado en tempera blanca sobre amarilla y para el diseño de las líneas horizontales y verticales he utilizado la técnica del rasgado de papel, son tiras de papel seda de color azul oscuro y las he pegado sobre la pintura base. Para el diseño de las fichas o figuras del juego me he basado en dos modelos de transporte clásicos, la Vespa Clásica italiana y el Seat Panda español.