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TEMA 1:
“La educación artística o la pervivencia de una paradoja” (Juan Delgado Tapias).
“La educación artística o la pervivencia de una paradoja” (Juan Delgado Tapias).
La paradoja a la que hace referencia este artículo consiste en que siendo entendido el arte (en cualquiera de sus manifestaciones) como una actividad creativa, su enseñanza se presenta como un proceso de imitación y cerrado a la improvisación.
El autor del artículo analiza algunas posibles causas de este fenómeno:
La primera de las causas apuntadas por el autor es la escasa valoración tanto social como pedagógica que tiene la Educación Artística. Esto se debe a que se entiende la Educación Artística como un conocimiento inútil, que nada tiene que aportar al individuo y menos a la sociedad como conjunto. Por otro lado, el arte es considerado como un ámbito privado, al que sólo unos pocos pertenecen (“los artistas”).
La segunda de las causas es la identificación de la actividad artística como la acumulación de conocimientos, y no como el desarrollo y utilización de una forma de lenguaje: el lenguaje plástico-visual.
Las otras causas que percibe el autor no son exclusivas del área de Educación Artística, sino que son inconvenientes presentes también en los procesos de E-A del resto de materias del currículo. Estas causas son la falta de preparación por parte del docente, y la confusión conceptual y pedagógica que subsiste en la Educación Artística.
También se presenta en este artículo la evolución de la Educación Artística. Antes de 1970 la “Plástica” aspira a desarrollar en los alumnos la habilidad para reproducir patrones exteriores. A partir de esta década, se aboga por fomentar la expresión individual. Sin embargo, una vez más el desconocimiento de los profesores limita la Educación Artística a un mero ofrecimiento de un ambiente óptimo para el desarrollo creativo, sin ofrecer las herramientas y conocimientos necesarios. Es finalmente en la década de los 80 y los 90 cuando se defiende la consolidación de una disciplina artística con conocimientos propios y específicos fundamentados en los estudios sobre la síntesis del lenguaje visual.
El futuro de la Educación Artística pasa por el desarrollo del lenguaje plástico-visual como actividad artística, aplicando procesos creativos al propio proceso del lenguaje. Esto es, generación de ideas en el proceso de interiorización-recepción, reflexión creativa y flexible a la hora de adaptar y transformar la información a los usos nuevos, y por último, utilización de técnicas creativas y dominación de los códigos de transmisión.
Por último, el autor hace referencia a los dos modelos que en la actualidad según él, siguen siendo los encargados de formar a los futuros docentes:
- La observación de la Educación Artística como un mero facilitador de materiales y técnicas plásticas.
- La aplicación de procesos creativos a los propios futuros docentes, por lo que no se adapta la Educación Artística a las posibilidades madurativas y psicológicas de los alumnos de Primaria.
De lo anteriormente expuesto, podemos extraer la idea de que la Educación Artística sigue siendo una materia en la que existe una gran confusión tanto en su concepción como en su desarrollo. Ninguna de las últimas reformas educativas ha conseguido fijar las orientaciones pedagógicas que permitirían dejar de considerarla como actividad marginal dentro del currículo.
“Educación artística: propuestas para la formación del profesorado en los nuevos estudios de grado” (Carmen Alcaide).
El presente artículo trata la posible inmersión de la especialidad de Educación Artística en los grados de Educación Infantil y Primaria como mecanismo de mejora para la posterior enseñanza de la materia en los centros de Infantil y Primaria.
En la práctica, la educación artística sigue siendo una materia más centrada en la reproducción de patrones que en la improvisación y la creatividad. Entre otras causas, la autora del artículo señala al limitado criterio estético que predomina en los centros, lo cual vuelve a ser una consecuencia de la escasa formación del profesorado en áreas relacionadas con la Educación Artística.
Como una de las vías de solución al problema, se propone una educación interdisciplinar para los futuros docentes. Específicamente, se proponen los siguientes títulos universitarios:
- Grado en Educación Artística: plástica y música.
- Grado en Ed. Infantil con Mención de Ed. Artística.
- Grado en Ed. Primaria con Mención de Ed. Artística.
- Posgrado de Artes Visuales.
- Posgrado de Música.
Parece pues que la mejora del proceso de E-A de la Educación Artística en Educación Infantil y Primaria pasa por una correcta formación del profesorado, sin embargo, esto no significa que esta formación se vea enriquecida exclusivamente si ésta se imparte desde títulos específicos de la materia.
Lo idóneo sería que no sólo el maestro de Ed. Artística cuente con los conocimientos e instrumentos necesarios para impartir esta asignatura, sino que todos los docentes puedan contribuir de un modo u otro a la formación artística de los alumnos a través de metodologías de enseñanza propias de las artes.
TEMA 2:
“El arte y los artistas” (E.H. Gombrich).
El extracto que hemos estudiado pertenece a la obra de Gombrich, “La historia del arte”, dirigida a jóvenes lectores y que constituye un aprendizaje constructivo de los hitos del arte. Esta es una de las más famosas obras sobre arte y supone una introducción al arte en su globalidad. Tanto su difusión como la crítica que obtuvo refuerzan su importancia.
El autor comienza este capítulo haciendo referencia a la idea de que no existe el arte sin el artista. Una obra no puede ser calificada de arte si no hay una persona o artista que con ella quiere transmitir un sentimiento, una idea o un deseo. Cuando se analiza una obra, sea del carácter que sea, se tienen en cuenta muchos aspectos como la belleza, el sentimiento que quiere transmitir el autor, la destreza del artista, etc. Sin embargo, el autor del artículo señala que uno de los requisitos que debemos cumplir para poder contemplar una obra, y es desprendernos de costumbres y prejuicios.
Dicho esto, nuestro autor también recuerda que es imposible fijar unas normas a través de las cuales se determine lo que es o no es arte. De hecho, como expone el autor a lo largo del artículo, el arte se ha percibido de formas distintas a lo largo de la historia. Aspectos que han sido en otros momentos considerados erróneos o faltos de técnica, han sido considerados en otros momentos como grandes obras de arte que han conseguido transmitir fielmente el pensamiento de su artista y ha conseguido conectar el observador.
Gombrich quiere acercar al lector a la importancia de una obra o artista a través de los hitos de la historia del arte. Nos guía a través de la historia desde los primeros pobladores hasta nuestros días. Sin duda, la obra de Gombrich es considerada una obra clave para cualquiera, independientemente de sus conocimientos previos en la materia, que quiere sumergirse en el mundo del arte.
“La belleza como proporción y armonía” (Eco, U).
El extracto pertenece a la obra de Umberto Eco “La historia y la belleza” publicada en 2005. El autor pretende acercarse a la belleza de distintos elementos.
Hace referencia en primer lugar al número y la música. Umberto mantiene que el sentido común dice que la belleza está en la proporción. Como recuerda, es Pitágoras el primero que busca vínculos entre las matemáticas y la estética. Nace así una visión matemático-estético del universo. Según Pitágoras, las cosas existen porque en ellas se cumplen leyes matemáticas, de modo que estas leyes se convierten en condición de existencia y de belleza. En el ámbito musical, la proporcionalidad se desarrolla a través de la armonía.
Con respecto a la arquitectura, nuestro autor vincula las relaciones de los intervalos entre elementos arquitectónicos con las relaciones que regulan los intervalos musicales. Aquella concepción matemática del mundo aparece de nuevo con Platón.
En lo que concierne a la proporción en el cuerpo humano, Umberto rescata la proporción correcta que refleja la estatua de Policleto del siglo IV a.C. Estas proporciones se adaptan a la visión del espectador. La euritmia hace referencia a la adaptación de las proporciones a las necesidades de la visión. Durante la Edad Media se retoman las ideas de Platón y se introduce la idea agustiniana de que Dios ha dispuesto todas las cosas según un orden.
En la pintura, la proporción adquiere una gran fuerza durante el Renacimiento considerándola como un requisito imprescindible de la auténtica belleza.
Nuestro autor rescata en este punto la opinión de Tomás de Aquino, quien al requisito de la proporcionalidad añadía el de claridad e integridad, y definía la proporcionalidad como un valor ético y un principio de adecuación al fin.
A lo largo de la historia se ha vinculado la proporción a la belleza, sin embargo el sentido de esa proporción no ha sido siempre el mismo.
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