Expresión Plástica y Visual: ROCIO LOPEZ SAEZ

TEXTO 1

LA EXPRESION PLASTICA COMO PRODUCTO CREATRIVO DEL LENGUAJE VISUAL. REFLEXIONES ACERCA DE SU INTEGRACIÓN CURRICULAR.

JUAN DELGADO TAPIAS

El presente artículo escrito por Juan Delgado Tapia nos da información sobre la forma de tratar la educación plástica a lo largo de la historia. En primer lugar se hace referencia a la paradoja de considerar esta asignatura como creativa y artística como calificativos inseparables y principales y sin embargo el alumno en la mayoría de los casos nunca es sometido a ningún aprendizaje creativo o artístico. Simplemente es sometido a mecanismos repetitivos, imitadores y sistemáticos...pero ¿cuáles son las causas de que este paradoja se siga cumpliendo hoy en día?

La primera causa es la marginalidad de esta asignatura en el currículum debido a las poca valoración social de lo artístico y a la poca valoración pedagógica de los lenguajes expresivos en comparación con otras áreas instrumentales. La segunda causa es la consideración del lenguaje plástico-visual como la acumulación de algunos conocimientos, técnicas y destrezas por dos causas principales. la primera es la falta de preparación de docentes en Educación Artística y la segunda e s la disparidad de criterios, confusión conceptual, pedagógica y didáctica que esta aun presentes en esta asignatura.

En este articulo también se hace referencia a la evolución de la Educación Artística desde antes de los años setenta hasta la actualidad. Antes de los setenta, se consideraba esta asignatura como habilidad manual y dibujo donde se solía reproducir patrones exteriores e infantilizados para que el alumno completase o colorease, en otras palabras, una técnica o metodología basada en la reproducción mecánica de modelos ya existentes. Cabe decir que hoy en día aun sea dan casos donde se aplica esta misma metodología ya que gracias a los avances técnicos como la fotocopiadora permiten sacar copas ilimitadas para que el alumno complete y reproduzca los modelos del educador. A partir de los años setenta hay una pequeña modificación en la metodología que estará enfocada a la producción libre del alumnado "LAISSER FAIRE" donde se aboga por desbloquear la creatividad del alumno y se deja lugar al desarrollo de la imaginación y la creación personal, pero sin tener en cuenta cómo y para qué. Durante la década de los ochenta y noventa nace en nuestro país un movimiento de profesionales que abogan por convertir el área en una disciplina artística con contenidos propios y específicos basados principalmente en los estudios sobre la sintaxis del lenguaje visual realizados por Arheim y Dondis, entre otros. Sin embargo no se establecen correctamente las diferencias entre términos de literatura y artes plásticas, es decir entre la utilización artística de la lengua y la utilización artística del lenguaje visual.

Por último se hace referencia a la visión futura de una educación creativa e integral mediante el lenguaje plástico-visual, la cual supone a aplicar procesos creativos al propio proceso generativo del lenguaje en cada uno de sus tres escalones, los cuales son:

Interiorización - recepción

Reflexión - transformación

Expresión - comunicación

Conclusión personal:

Habiendo leído este articulo podría concluir que desde hace muchos años se ha tratado el área de Educación Artista de manera inferior comparada con el resto de áreas. No se han llevado a cabo la metodologías necesarias para dejar paso a la creación e imaginación del alumnado. A estas se le han puesto trabas por medio de mecanismos repetitivos y carentes de libertad de expresión. Si es cierto que poco a poco se va tomando más consciencia de este problema en la aulas de plástica por parte de los docentes y superiores, aunque aun carezca de un número de horas lectivas apropiadas y un peso y reconocimiento considerable dentro del currículo de primaria. Me parece de importancia según el artículo los siguientes puntos:

1: Laisser faire (el cual desde mi punto de vista es una metodología bastante acertada siempre y cuando se establezcan unas pautas de puesta en funcionamiento, es decir cómo y para que se hace lo que se hace)

2: Formación especifica y motivación por parte del personal docente ( los cuales deberían desarrollar y/o estudia técnicas especificas para que la puesta en práctica de la asignatura se lleve a cabo de manera oportuna y empiece a dar los frutos que merece.

TEXTO 2

EDUCACIÓN ARTÍSTICA: PROPUESTA PARA LA FORMACIÓN DEL PROFESORADO EN LOS NUEVOS ESTUDIOS DE GRADO.

CARMEN ALCAIDE, UNIVERSIDAD DE ALCALÁ

Este artículo fué escrito por Carmen Alcaide, de la Universidad de Alcalá y como su título indica trata de la posibilidad de brindar a los futuros docentes una formación estética de calidad la cual les permita llevar a cabo correctamente las áreas artístico-expresivas en su práctica docente. Por tanto en este articulo se abordan propuesta innovadoras y se consideran los diversos títulos acordes con los requerimientos del MEC.

Este artículo hace una llamada de atención a la importancia de preparar pedagógicamente a los docentes, una propuesta que este enfocada a la formación de menores de infantil y de primaria. La manera de justificar estas propuestas es que teniendo en cuenta el gran prestigio actual de las Artes, hay una escasa formación estética en todos los niveles de nuestro sistema educativo. Además el tiempo dedicado a la formación artística en los currículos de enseñanza obligatoria es inferior al destinado a otras materias y a veces hasta errónea. Este hecho se debe en gran parte a que la formación inicial de los docentes es insuficiente en las áreas estético-expresivas. En consecuencia hay un limitado criterio estético en los centros escolares basado en propuestas pedagógicas de la editoriales que inducen a la imitación, repetición y sistematicidad de estereotipos o patrones.

En este articulo se hable también de los diversos factores que han causado esta situación, y entre ellos ésta la formación del profesorado. Además en este articulo se hace mención a las propuestas de títulos con la finalidad de favorecer el desarrollo artístico y pedagógico de los educadores, yendo mas allá del talento innato que hasta ahora solía ser necesario para acceder a estudios universitarios de arte. La propuesta de títulos para la formación del profesorado estaría dentro de la rama Ciencias Sociales y Jurídicas.

L a nueva titulación en Educación Artística: Plástica y Música organizaría su Plan de estudios a partir de la materias básicas y partiendo de esa base se articularía un plan que contemplara asignaturas especificas de plástica y asignaturas especificas de música. Contaría también con un cuerpo teórico de asignaturas compartidas del tipo Historia de las Artes, Teoría de las ideas Estéticas o Métodos de Comunicación Audiovisual, entre otras.

Conclusión personal:

Como conclusión personal me gustaría decir que en definitiva este artículo habla de una propuesta totalmente acertada y a través de la cual muchos de los aspectos desfavorables que presenta la asignatura de Educación Artística tanto en infantil como en primaria se podrían ver reducidas dándole a eso futuros docentes un espacio de investigación y de acción pedagógica propio. Darles a esos futuros docentes unos medios y formación adecuada para que puedan desarrollar aspectos artísticos y pedagógicos, además del arte innato que los complementaría. Como el artículo menciona, las adaptación al Espacio Europeo de Educación Superior es una gran oportunidad para empezar a poner en práctica dicha propuesta.

Personalmente las ideas principales de este articulo son:

1) Propuestas de títulos para futuros formadores

2)Especialización en Música o Plástica

3)Adaptación al Sistema Europeo de Educación

4) Preparación pedagógica adecuada a los futuros docentes

APLICACION EN EL AULA DE PRIMARIA

Cuando se habla de Educación Artística no podemos olvidar que es en este área donde los alumnos tienen más libertad para dar fruto a su imaginación, para crear sentir, disfrutar y descubrir un nuevo mundo. Por tanto para llevar a cabo estas ideas anteriormente propuestas deberíamos de seguir una metodología que les haga sentirse creadores, con la cual se sientan motivados y vean un resultado positivo del trabajo que están llevando a cabo. Seria una metodología en la cual ellos recibieran un aprendizaje constructivo. Desde el primer momento de clase dejaríamos que los alumnos se sientan sujetos activos del aprendizaje, es decir dejarlos experimentar, tocar materiales de trabajo con los que van a realizar sus proyectos. Por ejemplo, podríamos enseñarles brevemente pinturas de distintos artistas y describirles brevemente su historia y tema. Una vez hallan visto estas pinturas ellos deberían elegir una de ella, la que mas les haya gustado o llamado la atención y a continuación deberían buscar más información sobre esa pintura y autor. Después deberían crear ellos mismos una parecida ( no repetirla ni calcarla) que refleje el tema de la pintura elegida. Una vez realizadas sus propias "obras de arte" deberían exponerlas al resto de compañeros explicando algo sobre su autor y describir brevemente de que trata su pintura y decir por que la han modificado o añadido algo nuevo. Una vez que todos los alumnos hubiesen presentado "su obra de arte" de manera individual cada compañero dará una puntuación de 1-10 (con la ayuda de unos ítems dados por el maestro) a cada "obra de arte" y el alumno con la obra ganadora será el encargado de elegir las obras de otro nuevo artista para trabajar en el siguiente proyecto, además se colgara de "obra de arte" en el aula de plástica. De esta manera se pone en juego la motivación del alumno con un refuerzo positivo, se les deja investigar, crear y trabajar individual y colectivamente.

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--LÁMINAS BLOG DE DIBUJO--

TÉCNICA PAPEL RASGADO.

FIGURAS SIMPLES

Ejercicio: Figuras simples a partir de fragmentos de papel rasgado: rectángulo, círculo, triángulos, formas indefinidas. Utilizando un rotulador.

FIGURAS MÁS COMPLEJAS

Ejercicio: Figuras más complejas partiendo de la composición de varios fragmentos de papel rasgado. Figuras exentas (sin fondo).

EXPRESIONES

Ejercicio: A partir de fragmentos de papel rasgado y un rotulador, crear diferentes expresiones para un rostro.

Ejercicio: Partiendo de un cuadro dado realizar una versión del mismo componiendo con fragmentos de papel rasgado. Figura y Fondo.

Versión de un cuadro (Picasso)

TEXTO 3
"La belleza como proporción y armonía", pp. 61-98.

ECO, U. (2004) Historia de la belleza, Lumen, Capítulo III.

El numero y la música

Desde la antigüedad la belleza se definía como proporción y más tarde como orden. Los pitagóricos fueron los primeros en estudiar las relaciones matemáticas de los sonidos musicales. La idea de la armonía musical se asocia a cualquier regla para la producción de lo bello. Esta idea de proporción se trasmite a la edad media a través de la obra de Boedio (siglos IV y V d.C)

La proporción arquitectónica

la tetraktys pitagórica es la figura simbólica en la que se condensa de forma perfecta y ejemplar la reducción de lo numérico a lo espacial, de lo aritmético a lo geométrico. Esta idea también la encontraremos en Platón y en el dialogo Timeo. Tras la invención de la imprenta se harán numerosas ediciones de Leonardo con diagramas y dibujos cada vez más rigurosos. El principio de proporción aparece también en la arquitectura como alusión simbólica y mística ( estructuras pentagonales del arte gótico).

El cuerpo humano

Desde los primeros pitagóricos se habla de un equilibrio obtenido entre dos entidades opuestas, dos elementos contradictorios entre si y que se vuelven armónicos sol porque se contraponen convirtiéndose en simetría una vez transformada al plano de las relaciones visuales. Más adelante el artista del siglo VI tenía que representas aquella belleza de la que hablaban los poetas en piedra. Uno de los primeros requisitos de una buena forma era el de la justa proporción y simetría de manera que el artista hacia iguales los ojos, senos o piernas. Dos siglos más tarde Policleto crearía el canon de belleza porque en su escultura se plasmaban todas las reglas para una proporción correcta. Los egipcios seguían un canon distinto al griego el cual marcaba medidas cuantitativas fijas. Cabe decir también que después Vitrubio distinguirá la proporción de la euritmia que es la adaptación a las necesidades de visión. En la edad media aparénteme no se aplican reglas de proporción, ya que se centran en lo espiritual. La cultura medieval partirá de la medida platónica, es decir que el numero adopta significados simbólicos basados en una serie de correspondencias estéticas. Los números cuatro y cinco se convierten en un números centrales y resolutorios.

El cosmos y la naturaleza

Los pitagóricos consideran que el alma y el cuerpo del hombre están sometidos a las mismas reglas que regulan los fenómenos musicales y estas mismas proporciones se encuentran en la armonía del cosmos de kodo que el mundo en que vivimos y el universo entero están unidos por u a misma regla matemática y estética a la vez. Esta regla se manifiesta en la música mundana. La naturaleza es la que rige este mundo. También las cosas feas se componen en la armonía del mundo por proporción y contraste. La belleza nace de estos contrastes también ya que el mal en el orden se vuelve bello porque de él nace el bien y junto a él, el bien resplandece mas.

Las otras artes

La estética de la proporción ha adoptado formas diversas cada vez más complejas y revelan la ambición de las artes plásticas de ponerse al mismo nivel matemático que la música. Donde los estudios matemáticos alcanzan la máxima precisión es en la práctica renacentista de la perspectiva que era precisa y realista pero también bella y agradable a la, vista.

La adecuación al fin

Para Tomas de Aquino la proporción es un valor ético en el sentido que la acción virtuosa es la realización de una justa proporción de palabras y actos según una ley racional y por eso no hay que hablar de belleza moral. El principio es el de adecuación al fin al que está destinado algo. La belleza es colaboración mutua entre las cosas.

La proporción en la historia

El hecho de que los artistas estuvieran anclados a una noción puramente ideal de armonía era típico de una época de gran crisis como eran los primeros siglos de la edad media. Sin embargo no hay que pensar que estos teóricos fueran insensibles al placer físico de los sonidos con formas visibles. No obstante parece que en la edad media existía una disparidad entre el ideal de proporción y lo que se representaba como proporcionado.

Conclusión personal

Después de haber leído este capítulo mi opinión personal sobre el mismo es que parece que en todos los siglos se ha hablado de la belleza de la proporción pero según las épocas el sentido de esta proporción ha ido cambiando de manera regular. A lo largo de la historia ha habido distintos ideales de proporción. Es bastante distinta la concepción de proporción de esculturas de los griegos de la de los tiempo pitagóricos.

Por ultimo también concluiría con la idea de que cuando la proporción se quiere interpretar como regla no se consiguen los mejores resultados. Un punto positivo es que conforme va avanzando la historia hacia el Renacimiento esta idea de proporción de va liberando a favor del ideal de belleza yendo mas allá de las reglas matemáticas.

Finalmente, añadiría que el tema de la proporción y la armonía estética podría tratarse en clase de plástica de muchas maneras. Una de ellas por ejemplo sería realizar un molde del cuerpo humano con plastilina. La actividad se desarrollaría de manera individual y les llevaría unos 30 minutos de clase. El tiempo restante lo ocuparía el maestro explicándoles ciertas pautas que tienen que tener en cuenta a la hora de diseñar un molde del cuerpo humano. Esto no quiere decir que tengan unas normal fijas como les ocurría a los artistas más primitivos sino simplemente tener en cuenta por ejemplo que la cabeza no puede ser más ancha que los hombros o que los brazos no puedes ser igual de largos que las piernas. Cabria la posibilidad de ponerles un poco de música clásica mientas trabajan sus moldes y ya también aprovechar mientras trabajan para explicarles un poco como se trataba este tema a lo largo de la historia. Por último, cuando hayan terminado sus moldes les pediremos a nuestros alumnos que nos digan en que partes del molde se han visto mas sujetos a ciertas normas (por ejemplo con la cabeza que no puede ser modelada de muchas formas) y en que otras se han visto más libres creando y por qué lo han hecho así (por ejemplo con el pelo o la complexión general del cuerpo que pueden varían ampliamente).

TEXTO 4

“El arte y los artistas”, Introducción a La Historia del Arte,

pp. 15-37.

GOMBRICH, E.

No existe el arte como tal, lo que hace el arte son los artistas. Ese arte creado por los artistas puede significar muchas cosas distintas teniendo en cuenta la época, lugares o ideales. La confusión a la hora de calificar algo como arte crea una confusión que proviene de que varían mucho los gustos y criterios acerca de la belleza o la expresión. De hecho en muchas ocasiones es la expresión de un personaje en un cuadro la que hace que este nos guste o no. En los tiempos más primitivos lo que resultaba más impresionante era ver como se esforzaban en plasmar los sentimientos que querían transmitir. Además se sentía aversión por obras que consideraban pintadas erróneamente, ya que el artista estaba obligado a 'saber más'. Ahora bien, tenemos que tener en cuenta dos cosas fundamentales a la hora de juzgar un tipo de arte. La primera es los motivos que tuvo el artista para hacerlo y la segunda es nunca condenar una obra por estar incorrectamente dibujada. Siempre tendemos a aceptar colores o formas convencionales como si fueran exactos y no es difícil desprenderse de esos convencionalismos, sin embargo los artistas que se alejan de esos convencionalismos son los que con frecuencia realizan las obras más impresionantes. De este modo nos enseñan a contemplar nuevos atractivos en la naturaleza, libres de costumbres y prejuicios. Cabe mencionar las obras de personajes bíblicos en las cuales se ha plasmado la imagen de Jesucristo con forma humana y muchos consideraban que alejarse de esas formas tradicionales era una blasfemia, como ocurrió con Caravaggio que al retratar a San Mateo lo hizo de una forma fuera de lo convencional o aceptado en esa época y carente de respeto hacia el santo y tuvo que repetirlo. La segunda vez no quiso aventurarse y lo hizo el cuadro siguiendo estrictamente los patrones aceptados por la sociedad de aquel entonces.

Es cierto que algunos artistas a lo largo de la historia han tratado de formular leyes de su arte pero resulta que los artistas que intentan seguir esas reglas a menudo hacen trabajos mediocres, por otro los grandes artistas los cuales prescinden de ellas logran armonías que no podrían haber sido logradas siguiendo ninguna regla.

Nunca se acaba de aprender en el mundo del arte ya que siempre hay algo nuevo que descubrir. Es un mundo emocionante con sus reglas particulares o sin ellas.

Conclusión personal

Después de haber leído este capítulo sobre el arte y los artistas añadiré como conclusión personal que en el arte no se pueden aplicar reglas, leyes, modelos ni convencionalismos ya que cada artista ya se encuentre en una época u otra va a desarrollar su obra de arte desde sus propios sentimientos, plasmando lo que él cree correcto para transmitir uno o varios sentimientos. Por otro lado estoy totalmente de acuerdo con la idea que expone el texto de que los autores que han tratado de crear arte siguiendo leyes no han podido ni podrán lograr el éxito o aceptación del publico ya que de alguna manera no se está pudiendo expresar libremente, está sujeto a aplicar reglas artistas como si de una ecuación se tratara. Por el contrario las obras libres de convencionalismos y reglas son las que más triunfan y llama la atención ya que nos sorprenden con nuevos ideales de belleza y expresión y es ese el fin del arte.

Este es un tema que podría aplicarse en el aula de primaria de muchas maneras. Por ejemplo podríamos ponerles modelo para entender este tema el problema que le ocurrió a Caravaggio con el cuadro de San Mateo. Explicarles la historia, es decir que se le encomendó y que hizo él y porque tuvo que repetirlo. Creo que con esta historia les quedara bastante clara la idea general que trata este capítulo. A continuación agruparemos a nuestros alumnos por parejas. Uno de ellos tendrá que hacer un dibujo siguiendo un modelo ( por ejemplo un personaje de dibujos animados) y el otro crearlo según sus ideas, gustos y preferencias. A continuación les pediremos a nuestros alumnos que nos digan que criterios han seguido para dibujar un tipo de personaje u otro por medio de preguntas lanzadas por el maestro de tipo has usado tu imaginación? Has seguido un modelo que ya existía lo has creado tu personalmente? Por qué lo has creado así? De esta manera verán que unos se han visto limitados a unos convencionalismos ya fijados y otros habrán trabajado libremente y expresado su idea de superhéroe, princesa o monstruo a través de sus dibujos.

TÉCNICA DE AMPLIACIÓN

CON CUADRÍCULA

Ejercicio: Ampliación de un dibujo simple a partir de una cuadrícula, elección propia a partir de los ejemplos dados.

TEXTO 5
"Lenguaje plástico y visual: conceptos básicos”

“El lenguaje visual”

Acaso, M.

En este articulo se habla de las herramientas de configuración, que son el tamaño (cuyos criterios de selección son el impacto social, el efecto notoriedad y la comodidad de manejo de ubicación ) la forma, cuyos tipos son dos, el de formas orgánica o naturales y formas artificiales. Mediante el recurso formal el constructor de imágenes puede trabajar desde tres niveles:

Selección de forma del producto visual como objeto

Selección de la forma del contenido del producto visual

Selección de la forma del espacio que alberga al producto visual.

En cuanto al color, se hace una clasificación de ellos; por un lado los colores pigmento (síntesis sustractiva) que son el cian, amarilla y el magenta. Los colores luz (síntesis aditiva) son el rojo, el verde y el azul. Para la selección del color el autor tiene en cuenta unos criterios los cuales son el contenido simbólico, calendario comercia, contraste visual, identificación de la marca e identificación con el público-objeto.

También se tiene en cuenta en este texto la iluminación, que transmite significado desde dos niveles. En primer lugar el tipo de iluminación que elige el autor en el contenido intrínseco del propio objeto. En segundo lugar, el tipo de luz que se utiliza para iluminar un objeto desde su exterior. También se siguen unos criterios para la selección de la iluminación, los cuales son tipo de fuente, cantidad, temperatura y orientación.
Referente a la textura, que se refiere al material que se elige como soporte y construcción de la imagen. El autor diferencia tres tipos de textura: la real, simulada o visual y la ficticia.

En cuanto a la herramientas de organización, podemos hablar de la composición, la cual puede ser abstracta. Hay ciertos recursos para crear una composición reposada (constantes, simétricos, rectos...) o para crear una composición dinámica (inconstantes, asimétricos, oblicuos...). Otra herramienta seria la retorica visual, utilizada para interconectar los distintos significados de los componentes del producto visual. Por otro lado la retorica visual, que se refiere a un sistema de organización del lenguaje visual en la que el sentido figurado de los elementos representados organiza el contenido del mensaje. La figura básicas de la retorica visual se pueden dividir en cuatro grupos:

Sustitución (metáfora, alegoría, metonimia, calambur, prosopopeya)

Comparación ( oposición, paralelismo, gradación)

Adjunción ( repetición, epanadiplosis, hipérbole, préstamo)

Supresión (elipsis)

Conclusión
Personalmente, me ha gustado mucho leer este capítulo, que aunque contenga muchos conceptos que hasta ahora no conocía, me ha parecido bastante interesante. A lo largo de este capítulo conocemos todas o gran parte de las herramientas del lenguaje visual. Aunque a la hora de realizar un trabajo no las utilicemos todas, es bueno saber que existen y se pueden tener en cuenta a la hora de trabajar cualquier proyecto. Además este es un tema que también se podría llevar a la práctica didáctica pero más desglosado o sintetizado. Es decir, ir introduciendo a nuestros alumnos en conceptos de este tipo para que los conozcan, trabajen y apliquen.

TEXTO 6
"Análisis del desarrollo del dibujo espontáneo en los niños/as”

“La conquista de un concepto de la forma”

Lowenfeld, V. y Lambert, B.

La importancia de la fase esquemática

El niño llega a esta fase alrededor de los siete años. Las imágenes mentales que tiene un niño de los objetos son el resultado de un proceso mental el dibujo en el papel es el símbolo de esa imagen mental, el símbolo que representa al objeto. El producto artístico es por tanto una indicación de la forma en la que el niño comprende e interpreta el espacio t los objetos.

Características de los dibujos esquemáticos

Podemos distinguir entre el esquema humano (el niño incluye símbolos separados para las manos, dedos y pies. Dibujan la ropa en lugar del tronco. Para algunos es importante la simetría del cuerpo, brazos, piernas, ojos y orejas). El esquema espacial (colocan una línea básica y puede considerarse para el desarrollo natural al mismo nivel que aprender a saltar o correr. Esta línea básica puede utilizarse para simbolizar l base sobre la cual descansan las cosas o para representar la superficie de un paisaje). Las representaciones en rayos X ( es un modo no visual de representar puntos de vista distintos que no podrían verse al mismo tiempo. Un niño puede describir simultáneamente el interior y exterior de un edificio u otro recinto siempre que el interior tenga mayor importancia). Representaciones de tiempo y espacio (incluyen en un dibujo secuencias temporales diferentes o impresiones espaciales distintas. Esto puede constituir una abundante fuente de recursos para la motivación). Significado de las variaciones en el esquema ( hay tres formas principales de variación: exageración de las partes importantes, descuido u omisión de partes no importantes u ocultadas y cambio de símbolos para partes relevantes). Significado del color y diseño ( el niño descubre naturalmente la relación entre el color y el objeto. El niño ahora dibuja el medio de modo más objetivo y tiene relaciones espaciales bien definidas)

El desarrollo del niño en la escuela primaria

Las diferencias entre las fases pre esquemática y esquemática pueden reconocerse fácilmente observando a los niños en la escuela infantil y comparando después su comportamiento con el de los niños de segundo de primaria.

Los dibujos esquemáticos como reflejo del desarrollo

Una de las indicaciones del crecimiento del intelecto infantil es la percepción cada vez mayor del mundo. El conocimiento activo del niño revela su concepto del mundo que lo rodea y su interés por ello, y esto es lo que se expresa en los dibujo.

Motivación artística

El tipo de motivación que debe utilizar un docente en los diferentes niveles d edad surge de las necesidades de los niños durante cada fase de desarrollo concreta. La tarea del profesor consiste en estimular la consciencia y la atención de los niños para que no se muestre satisfechos con hacer símbolos rígidos.

El tema

Algunos temas son excelentes para una diversidad de representaciones de espacio y tiempo. Cometer los distintos aspectos de la experiencia animara a algunos niños a incluir muchos elementos en el dibujo, pero otros representaran solo la parte que le pareció importante. Se producirán dibujos radiográficos si en algunas experiencias resultan importantes tanto en interior como el exterior. Se dará un planteamiento flexible del color.

Materiales artísticos

La relevancia de su selección para un grupo en concreto de niños y sus necesidades en un momento determinado y su preparación para el manejo son muy importantes. Cualquier material artístico debería facilitar la expresión infantil y no ser un obstáculo para ellos.

Conclusión

Este articulo me ha gustado bastante porque trata sobre muchas cuestiones a tener en cuenta en clase de artística con niños comprendidos entre ciertas edades. Según este articulo los procesos mentales que realizan los niños están estructurados ahora de manera que pueden organizarse y ver las relación con el medio de una mejor manera. Es importante que los niños estén motivados en todo momento al igual que se les de cierta libertad a la hora de elegir sus dibujos, colores, etc. También se habla de los materiales artísticos a usar, estos deben hacer una aportación y es importante que el profesor actúe en la búsqueda del material adecuado para cada tarea. Este tema podría llevarse a la practica con nuestros alumnos de manera muy sencilla. Le daremos a nuestros alumnos un papel en blanco y les diremos que empleen en su dibujo la técnica radiográfica (previamente habiéndosela explicado) el tema y los colores quedaran a su libre elección y los materiales con los que se trabajara los elegirá el profesor. Una vez hayan terminado sus dibujos los describirán y entre todos se votara al ganador, que será el que más se aproxime a la representación de la realidad.

CARACTERIZACIÓN

Ejercicio: Realización de unas imágenes basándose en seis adjetivos (objeto animado - objeto inanimado) idem para ambas, según ejemplos dados. Material: rotulador.

TEXTO 7

“EDUCACIÓN ARTÍSTICA Y DESARROLLO HUMANO”

HOWARD GARDNER.

El propósito de este artículo es explorar aquello que los psicólogos han descubierto acerca de los principios que gobiernan el desarrollo de los seres humanos, mostrando un mayor interés en los estudios que sugieren principios que operan en el área artística y a los que resguardan lecciones para los docentes en artes.

Primeramente, en este artículo se plantean dos enfoques frente a la educación de las artes visuales; por un lado esta China donde el cultivo de lo mejor del pasado es la meta de la educación artística. Por otro lado, Los Estados Unidos donde no se considera adecuado estudiar el pasado artístico, ni se hace acento en el manejo de técnicas para la reproducción, priorizándose su manejo como medio de expresión y conocimiento del entorno. Es decir en China, las clases de arte se dedican a transmitir habilidades necesarias para producir modelos ejemplares de las obras y géneros mas valiosos procedente del pasado. En cambio en los Estados Unidos, a los niños pequeños se les dota de muchos materiales atractivos y se les alienta a trabajar a dibujar o a elaborar lo que quieran.

El estudio del desarrollo de Piaget

Cuando Charles Darwin estableció a finales del sXI el carácter fundamental de las consideraciones evolutivas en el estudio de la vida, hubo un gran interés en el estudio de las etapas o fases que transcurrimos los humanos, entre los interesados encontramos los trabajos de Piaget y Freud.
Más actualmente surgió una corriente (criticada por Ernst Cassirer, Susanne Langer y Nelson Goodman) basada en estudios filosóficos, que se interesó especialmente en las capacidades de utilización de símbolos. Se prestó especial atención a las facultades que empleaban símbolos aislables y fácilmente manipulables. Consideraban a la lógica como el ideal de simbolización por la claridad de sus reglas, y el lenguaje se reconoció como una forma simbólica humana fundamental.

Goodman sostuvo que los diferentes sistemas simbólicos podían apelar a diferentes clases de habilidades, y que unas podrían inhibir o intensificar a otras. Con este propósito nace el Grupo de Desarrollo, el cual vincula el análisis de Goodman con los enfoques de Piaget. Aquí, la habilidad artística está relacionada con la manipulación de símbolos, saber leerlos o descodificarlos representa la participación significativa de la percepción artística.

Existen afinidades entre el dibujo infantil y el del artista adulto. Ambos desean explorar libremente, trabajar durante horas sin necesidad de recompensa o estímulo exterior. Por otro lado, los niños producen sin referencia al ámbito artístico, están al margen de las presiones del campo artístico y la opinión sobre sus obras es más complaciente y menos crítica que la de los adultos.

Se distinguen cuatro formas de conocimiento, que se pueden disponer en un esquema de desarrollo:

· conocimiento intuitivo

· conocimiento simbólico

· conocimiento notacional

conocimiento disciplinario formal

Otra forma de conocimiento que no puede ubicarse en un sistema de desarrollo es el conocimiento especializado. Un ejemplo de esto es el aprendizaje de oficios. Se domina por medio de la observación y la participación directa, de manera informal, análoga a como se adquiere el conocimiento intuitivo o simbólico inicial. Pone un fuerte acento en las habilidades físicas.

Conocimiento especializado

En el inicio de los años escolares los niños son bastante capaces de dominar las notaciones y los cuerpos más formales acerca de las artes. Es en este momento cuando más curiosos están sobre la cultura. Por eso sería positiva una introducción sistemática desde temprana edad en el saber de artes. También, enriquecería su conocimiento y su entorno visual el exponerlos a obras de arte significativas producidas por adultos. Con esto, se podría cortar de raíz el problema de la tendencia a valorizar el realismo sobre todas las manifestaciones artísticas.

Arts PROPEL

A mediados de la década de los 80, se creó un experimento educativo llamado arts PROPEL, que trabaja con estudiantes de enseñanza media en áreas de música, de escritura de ficción y de artes visuales. Este proyecto tuvo como meta inicial la creación de nuevas formas para evaluar las inteligencias artísticas. No hace referencia explícita a la historia y crítica del arte o la estética. Creen que estas disciplinas se plantean de manera natural en el estudiante, como resultado de la productividad artística del estudiante. Para el autor sería apropiado evaluar al alumno en el contexto, mediante la ejecución de algún proyecto de ámbito. De esta manera la evaluación sirve como actividad de aprendizaje.

Personalmente, este texto trata otra vez dela poca importancia que se le da a la educación plástica. Además me ha gustado bastante porque encuentro bastante interesante el hecho de que este articulo también nos previene de cómo no tenemos que enseñar arte.

GARDNER, H. (2011). Educación Artística y desarrollo humano, Paidós.

TEXTO 8

"EL HIPERDESARROLLO DEL LENGUAJE VISUAL"

ACASO M.

Este articulo trata de explicar lo que está ocurriendo con el lenguaje visual en los tiempos que corren. El autor considera que la era del lenguaje visual ha pasado y que hoy en día no encontramos dentro de la era del hiperlenguaje visual o hiperdesarrollo del lenguaje visual. El autor también desarrolla el concepto del mundo-imagen, paralelo al de consumo-mundo. La tesis que plantea el autor es que para llegar a las cotas del hiperconsumismo en las que nos situamos actualmente ha sido necesario pasar por el lenguaje visual al hiperdesarrollo del lenguaje visual.

El desarrollo técnico como modelo del cambio

Se podrían citar como eslabones principales de esta cadena de tecnificación que fomenta el hiperdesarrollo del lenguaje visual los siguientes avances:

· Nacimiento de la fotografía

· Desarrollo de la imprenta

· Nacimiento de la televisión

· Desarrollo de productos web, etc.

La espectacularizacion de los mensajes visuales

El hiperdesarrollo del lenguaje visual, auspiciado por las nuevas tecnologías, produce la multiplicación de imágenes en todos los aspectos de nuestra vida, y esto produce un efecto rebote.

En nuestra sociedad, nosotros deslumbrados por el espectáculo nos sumergimos en una existencia pasiva aspirando solo a conseguir la mayor cantidad de productos posible y exhibir la compra inmediatamente. Al igual con el arte, el cual se hace para ser compartido.

El hiperdesarrollo del hiperconsumo

¿Qué ocurre con las imágenes que uno crea para sí mismo? El deseo se provoca a través de una incitación omnipresente pero velada, trabajada desde un segundo plano, oculta si no se sabe mirar bien, porque lo que se dice a través del lenguaje visual no se puede comunicar a través de otros lenguajes. El mundo-imagen no es la consecuencia, sino el motivo, del consumo-mundo.

El mundo como texto se ha convertido en mundo como imagen.

Conclusión:

Aunque me ha resultado un poco difícil entender la finalidad de este texto, por sus enrevesados términos, al final y gracias a la ejemplificación con casos reales (Anuncios de Nike, Pamela Anderson, Ikea...) he llegado a entender el propósito del autor, que es hacer un recorrido sobre lo que está ocurriendo con el lenguaje visual actualmente. Vivimos en una sociedad en constante progreso, donde todo se acelera. Todas las características que se atribuyen al mundo contemporáneo son las que se pueden a su vez atribuir al lenguaje visual, el cual funciona como catapulta del deseo. La educación artística tiene mucho que ver con la des consolidación del mundo-imagen.

Ejercicio: Realización de unas imágenes basándose en el libro: Artistas por descubrir de Quentin Blake y John Cassidy. Material: rotulador.

Lluvia y Paraguas:

Ejercicio: llevado a cabo usando un rotulador y lápiz para añadir la lluvia, nubes y paraguas. Las nubes de lluvia son más oscuras que la lluvia, la regla general para el borroneado del lápiz es con dedo húmedo.

Dibuja sin mirar.

-El primer dibujo de la taza se ha llevado a cabo sin mirar el objeto propuesto (solo mirando la mano que dibuja).

-El segundo dibujo se ha llevado a cabo mirando solo el objeto a dibujar sin mirar la mano que dibuja.

SIN CUADRÍCULA

Ejercicio: Ampliación de un dibujo simple sin usar cuadrícula, elección propia a partir de los ejemplos dados.

Pasos a seguir:

Boceto de formas simples.
Añadir más formas simples.
Definir la forma general.
Añadir los detalles.
Entinado de las líneas finas.
Entinado de líneas gruesas y manchas.
Color de base.
Añadir brillos y sombras.

TEXTO 9

"APRENDIENDO A VER"

ACERCAMIENTO AL LENGUAJE ARTÍSTICO Y EL ARTE CONTEMPORÁNEO PARA ALUMNOS DE PRIMARIA.

MANUEL V. TAMARIZ SÁENZ

La propuesta de Tamariz consiste en establecer un paralelismo entre naturaleza y arte a través de la percepción visual, a partir del cual se elaboraran materiales didácticos, actividades creativas pensadas concretamente para los alumnos de tercero de primaria. Tamariz analiza cuadernos editados por los servicios pedagógicos de Centro de Arte Reina Sofía y el Curriculum Oficial de Primaria.

GUERNICA

El primer material consiste en un cuaderno tamaño folio con tapa en cartulina de color que representa un fragmento del Guernica. El cuaderno se articula en tres bloques: actividades previas, actividades del museo y actividades posteriores. En el primer bloque el alumno adopta una actitud receptiva pues corresponde al profesor preparar la vidita para motivar al alumnado ante el hecho artístico. Los bloques segundo y tercero son los que justifican el cuaderno al requerir la intervención de los alumnos y en los ejercicios del cuaderno y una posterior reflexión.

LOUISE BOURGEOIS

Su formato es muy agradable son 22 páginas que alternan fotografías en blanco y negro y color con el texto. El texto se abre con una introducción dedicada al profesorado. Los contenidos relatan sobretodo la vida y los procesos creativos de Louise Bourgeois, intentando acercar el personaje a los jóvenes estudiantes, mostrándole como un ser humano con su historia de sufrimientos y pasiones, pero que se mantiene joven e ilusionada gracias al arte.

TÀPIES

El formato y las características son similares al anterior, incluyendo un interesante apéndice firmado por el propio autor. El texto es claro es sintético permitiendo una mayor asimilación de los conceptos sin perder profundidad.

Además en este artículo se ofrece una guía para el maestro, así como consejos sobre las metodologías a seguir y otra guía para el alumno.

Personalmente me ha parecido un artículo bastante interesante que hace que nuestros alumnos puedan llegar al arte y trabajarlo en el entorno de la clase de manera natural y objetiva, sin que este arte pierda mucha profundidad. La posible aplicabilidad de este texto en clase de primaria seria organizar por ejemplo una visita al museo Salzillo de Murcia para implementar el tema tratado en este texto. Primero tendremos en cuenta unas pautas antes de las visita, otras una vez que estemos visitando el museo y finalmente las actividades posteriores a la visita del museo

TEXTO 10

"Didáctica de la Expresión Plástica o Educación Artística"

Ricardo Martín Viadel

En este artículo se trata en profundidad todos los temas relacionados con la didáctica de la expresión o educación plástica. En primer lugar su definición, como conjunto de disciplinas y saberes eminentemente interdisciplinares y abiertamente profesionalizantes cuyo objeto de estudio propio y distintivo es el aprendizaje artístico y su función básica la formación del profesorado de artes visuales. El objetivo principal de la DEP es la creación visual, la percepción visual y la creación de imágenes. Por último es también gozar, disfrutar, transformar y representar.

En relación a las tendencias contemporáneas en DEP el texto habla de una educación artística multicultural, medioambiental, multimedia, postmoderna, basada en una disciplina, arte terapia, gabinetes y departamentos educativos y didácticos de museos, galerías e instituciones.

En el terreno de la investigación hay que mencionar dos aspectos relevantes: la intensa estructuración disciplinar y académica de la investigación educación artística y por otro lado la aparición en los últimos años de líneas y enfoques de investigación cualitativa.

En cuanto a su origen y evolución, el autor nos hace un recorrido desde la antigüedad del renacimiento, donde aun no existían instituciones educativas o escolares, y el aprendizaje profesional se desarrollaba en los talleres hasta el siglo XX donde ya se han sufrido un gran número de transformaciones y debates sobre la formación de los artista y profesionales de la artes visuales. Después de este recorrido sobre la historia de las artes el autor se centra en la historia de la enseñanza del dibujo en la escuela. Esta vez tratando desde Grecia hasta el siglo XIX. Aquí el autor nos aporta información sobre el descubrimiento del dibujo infantil en el siglo XIX-XX. Cabe decir que durante los primeros años había un gran interés por definir la secuenciación de los ejercicios y los materiales didácticos correspondientes, en los últimos años se paso a redefinir el problema de la educación artística.

En este texto también se habla de la historia de la formación del profesorado de dibujo. Una de las decisiones más lógicas fué la de que se utilizara en las escuelas de Magisterio el mismo método que había que emplear después en las escuelas

También se abordan los temas, contenidos y disciplinas de la DEP, su estructura institucional. Cabe mencionar también las principales asociaciones profesionales, las cuales son INSEA, SEEA, NAEA y NSADE tanto a nivel nacional como internacional. En la última parte del artículo se hace un recorrido por la relación entre arte y distintas etapas educativas.

Personalmente, este texto ha sido bastante difícil de leer y resumir por la gran cantidad de información especifica que contiene. Aun así me ha servido de gran ayuda para conocer en profundidad la DEP, su desarrollo y tratamiento a lo largo de la historia así como la formación requerida para los docentes de esta área de conocimiento y muchos otros datos relevantes expuestos arriba.

MEZCLAS DE COLOR

Ejercicio: Realización con 10 colores diferentes: amarillo, naranja, rojo, magenta, cían, azul oscuro, verde claro, verde oscuro, violeta y marrón. Debe tenerse especial cuidado en conseguir un color que sea la mezcla de los colores que aparecen en la primera columna y primera fila.